Informe para una academia

Sergio Harb, responsable de Informe para una academia tuvo una enorme flojera de escribir un artículo más ajustado al tema mensual de la revista, por lo cual expresa sus disculpas a los editores y a los lectores. Por nuestra parte, esperamos solamente que lo disfruten.

Informe para una academia

El relato está ambientado en el interior de una academia de ciencias. Alguien presenta un informe o discurso acerca de su vida pasada; informe [que comprende la integridad del relato que nos presenta Kafka], sobre el proceso de su transformación de mono a hombre. La captura ocurre en la orilla de un río (cf.: Côte d’Or) a cargo de una expedición presumiblemente alemana de nombre HANGENBECK. El entonces mono, desplazándose a través de la selva, es alcanzado por dos disparos: el primero le impacta en la cara, dejándole una cicatriz rojiza por la que recibirá el sobrenombre de «Peter (léase también Pedro) el rojo», y el segundo disparo en la cadera, motivo de su rengueo. A continuación es encerrado en una prisión-jaula y transportado en barco con destino desconocido. La jaula es estrecha por donde se vea, imposible de comprender desde el punto de vista animal. Sin salida, y gracias a una sorprendente curiosidad, durante el viaje va observando a los tripulantes desde los barrotes, de los que aprende (o aprehende, como se quiera) sus costumbres. –Lo primero que aprendí fue a estrechar la mano, afirma. Los marineros se le acercan para alcanzarle una pipa o invitarle unos tragos [una botella de caña, a saber de la jerga y la garganta de los marineros] invitaciones que el mono juzga como verdaderos guiños de la civilización. Entre sus maestros hay algunos que se burlan de su afán por imitar, “la torpeza del mono” es motivo de simpatía y, sobre todo, de risa. El mono tiene sus monerías. Se siente preso y quiere liberarse. Entre los tripulantes, repito, hay uno que, no indiferente al (visible) entusiasmo del animal, decide enseñarle el «ARTE» de vaciar botellas como se tratase de una técnica formalizada o formolizada a través del tiempo, ¿o no?

Lo cierto es que un mono desea hacerse hombre y el hombre termina mono; esto es, su instructor. La cautividad es un horno donde lentamente se van cocinando planes. Los rudimentos del arte son aprendidos por imitación, por repetición, por emulación. Solo hay que ser buenos observadores como este mono que, a la veracidad de las fuentes, tenía dos salidas: una era escapar y la otra, ser libre. ¿Contradicción? No del todo.  No es lo mismo escapar siendo un mono [y tirarse al océano o ser devorado en el intento por las boas de las jaulas vecinas] que ser libre o liberarse convirtiéndose en hombre. Según esta lógica, una salida humanamente atractiva sería el music-hall. Un sueño -entiéndase acaso- solo humanamente compresible. Todo se fragua una noche en medio de la conversación de los tripulantes, cuando una botella dejada cerca de su jaula se convierte en excusa para que las «clases teóricas» de descorchar y vaciar botellas del instructor sean puestas en práctica. El resultado es que el mono se embriaga y comienza a gritar una palabra humana, ¿una palabra etílica? Y la sorpresa es de todos. Este es el nacimiento de la palabra. Y la palabra, distinguidos señores, es libertad.

GLOSA:

El autor de relatos como Investigaciones de un Perro, El fogonero, o La Metamorfosis, nació el 3 de julio de 1883 en Praga. Kafka es maestro de ficciones, padre de un infortunado Josef K. [vid.: El Proceso], seguramente estaba enterado de las teorías darwinistas de evolución como lo demuestra su biografía: «Círculo del café del Louvre», y sus aproximaciones con los anarquistas. En 1919 publica junto a otros relatos el Informe para una academia [Ein Bericht für eine Akademie], con un marcado gusto por la elaboración y la ironía (gr. eirōneia: “interrogación fingiendo ignorancia”), nos presenta su particular lectura de evolución: el HOMO DOMESTICUS.

 

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La cita, el remake y la apropiación en el arte contemporáneo

Queridos amigos: a continuación les presentamos un artículo de Alejandra Dorado Cámara que nos permite entender un poco mejor al arte contemporáneo. Es parte del quinto número de la revista Punto Aparte, dedicado al POP.

La cita, el remake y la apropiación en el arte contemporáneo

La cita es el fragmento de una expresión humana insertada en otra expresión.

Remake en inglés significa literalmente «rehacer».

Apropiación es adueñarse de algo.

Para hablar de apropiación en el término justo para la obra de arte, debemos hablar tal vez de postmodernismo, aunque es difícil llegar a un concepto o definición precisa de lo que es la posmodernidad.

Me gusta mucho la cita de Umberto Eco para definir el postmodernismo: “Pienso que la actitud posmoderna es como la del que ama a una mujer muy culta y sabe que no puede decirle “te amo desesperadamente”. En ese momento, habiendo evitado la falsa inocencia, habiendo dicho claramente que ya no se puede hablar de manera inocente, habrá logrado sin embargo decirle a la mujer lo que quería decirle, que la ama; pero que la ama en una época en que la inocencia se ha perdido. Si la mujer entra en el juego, habrá recibido de todos modos una declaración de amor. Ninguno de los interlocutores se sentirá inocente, ambos habrán aceptado el desafío del pasado, de lo ya dicho que es imposible eliminar; ambos jugarán a conciencia y con placer el juego de la ironía… Pero ambos habrán logrado una vez más hablar de amor.” (Lo Posmoderno, la ironía, lo ameno. Máscara, año 4 No.17-18)

Los lenguajes usados en la actualidad en cuanto se refiere al arte, la publicidad el cine, la música, según esta teoría han perdido con la ironía el trompe l’oeil (el efecto engañoso) y con esto tal vez el “aura”.

Baudrillard cuestiona la pérdida del aura, de la magia en el arte actual. ¿Entonces el arte debe ocultar algo para seducir? ¿Es la ironía la desilusión de las cosas? ¿El lenguaje visual del arte tiene que ser totalmente legible o mas bien debe ocultar?

Creo que el lenguaje estético contemporáneo va más allá de todo esto: se ha ampliado la forma de “decir”. Los hilos que conducen hacia la lectura de una obra pasan desde símbolos reconocidos universalmente hasta formas netamente visuales, objetos cotidianos descontextualizados, texto visualizado, etc. Entonces una obra ya no busca “gustar” o conmover por medio de lo “bonito”. Como dice Ortega y Gasset, mirando un bonito jardín a través de un vidrio, si nuestra meta es mirar el jardín, nuestra vista atravesará por completo el cristal y será invisible, en cambio si fijamos la vista en el cristal, el jardín se verá difuso, solamente como manchas, tenemos ahí dos formas distintas de “ver”, que son incompatibles entre sí: la una excluye a la otra y requieren acomodaciones oculares diferentes. (La deshumanización del Arte. Revista de Occidente, Madrid 1958)

¿Hasta qué punto el arte se cosifica con el proceso de la apropiación?

Algunos artistas trabajan con la apropiación afirmando que el arte se encuentra en la intención y que es suficiente con firmar un objeto, pero entonces ¿todo es arte y todo es posible en el arte?

Duchamp, por ejemplo, se apropia de la obra de Leonardo da Vinci y la usa como medio para proponer la eliminación de la cualidad individual y manual del arte, el elemento irónico humorístico, debajo del título pone la inscripción: L.H.O.O.Q.  (1919) (esas letras pronunciadas en francés viene a decir: “elle a chaud au cul” que significa “ella tiene calor en el culo”) un concepto que romperá con la tradición del arte. Sin la apropiación esta obra no hubiera cumplido con su propósito.

Louise Lawler (1947, USA) se apropia y al mismo tiempo cita, con la pregunta: Whose work is it? ¿De quién es esta obra? Citando y apropiándose de obras de artistas como Pollok, Lichtenstein, Jasper Johns. Mecanismos de presentación y marketing; la galería convertida en un showroom, mostrando la ironía del arte comercial, sacando el aura de la obra por su atemporalidad y su repetición (cualquiera puede hacerlo), el espectáculo del arte y la cultura.

Orlan (1947 Francia) cita usando su propio cuerpo como soporte de la obra, “apropiación corporal”, el cuerpo como lenguaje, palabra hecha carne como dice la Biblia.

"La imagen amable", de Alejandra Dorado Cámara

“La imagen amable de mí misma”, de Alejandra Dorado Cámara

En el caso de “la imagen amable de mí misma” por medio de la apropiación de este ícono religioso (San Miguel Arcángel) y el significado que encierra, intento crear un juego retórico entre la representación, el reflejo y lo real, citando así al arte y su intención –digamos- académica.

Son muchos los ejemplos que nos sirven para hablar de la cita, la apropiación y el remake en la obra de arte contemporánea, también podemos citar ejemplos en el cine, la música, la publicidad a un nivel mas popular o comercial en nuestra actualidad.

Pero la pregunta que queda es ¿qué pasa con la obra en sí? ¿La reedición de lo real extermina al real por su doble? ¿Es el doble la obra de arte por sí misma? ¿Se puede sostener infinitamente una simulación? ¿Se puede volver fetiche a una imagen citada, recreada, usada?

Alejandra Dorado Cámara es
Licenciada en Bellas Artes
alejandradorado.blogspot.com